La colección Autumn Winter 2026 explora momentos de transformación y la armonía que surge entre cualidades opuestas. La luz se contrapone a la oscuridad, el refinamiento abraza la irregularidad, la suavidad se encuentra con la estructura y los contrastes se disuelven en espacios cálidos y acogedores. A medida que los materiales adquieren nuevas expresiones a través de los procesos y la artesanía, la colección aporta profundidad, carácter escultórico y una sensación táctil de comodidad al hogar, enriqueciendo los momentos cotidianos de reunión, descanso y ritual.

¿Cómo puede la artesanía permitir que un material revele nuevas formas de expresión? La búsqueda de una respuesta a esta pregunta condujo a la técnica tradicional japonesa de Shou Sugi Ban, un método centenario para preservar la madera mediante procedimiento de carbonización controlada. A medida que el fuego transforma la superficie, la capa exterior adquiere una textura profunda y se carboniza, al mismo tiempo que mejora la durabilidad de la madera y revela un rico acabado ennegrecido. Caracterizada por sus distintivas grietas, nudos y vetas, esta técnica se convirtió en el punto de partida para el desarrollo del Armario de pie Koh. Al permitir que el registro de su creación permanezca visible mucho después de que las llamas se hayan extinguido, el armario explora qué sucede cuando el proceso se vuelve inseparable del material y cómo la transformación misma puede moldear la identidad de un objeto.

El Armario de pie Koh se convirtió en el punto de encuentro entre la investigación material y la vida cotidiana, una pieza de mobiliario íntima moldeada por los silenciosos rituales que rodean el cuidado de los objetos cotidianos. El desarrollo de las puertas fue un ejercicio para comprender el comportamiento de la madera bajo el fuego, desde la identificación de las especies que podían ofrecer la mayor profundidad y riqueza textural (siendo el roble macizo con certificación FSC® la opción natural) hasta encontrar el grado adecuado de combustión mediante una calibración cuidadosa. El proceso se convirtió tanto en una cuestión de observación como de perfeccionamiento, buscando la precisión dentro de la imprevisibilidad. En lugar de buscar una uniformidad total, el objetivo era preservar las sutiles irregularidades dejadas por el fuego, al tiempo que se garantizaba un cierto nivel de coherencia. Las superficies resultantes varían sutilmente en textura y tono, lo que hace que cada mueble sea ligeramente distinto, pero fiel al mismo lenguaje material. El acabado elegido protege el roble carbonizado sin ocultar las cualidades que lo hicieron tan atractivo en primer lugar.

Las puertas, con su marcada textura, contrastan deliberadamente con la refinada geometría del mueble. Diseñados con precisión, sus paneles ligeramente desplazados, con sutiles variaciones de grosor, introducen una asimetría medida que altera suavemente la forma, de otro modo monolítica. Detrás de este frontal escultural, los estantes ajustables ofrecen un almacenamiento flexible, aportando una funcionalidad práctica a un armario diseñado para adaptarse a los ritmos cambiantes del hogar.

El Armario de pie Koh refleja la convicción, presente en toda la colección, de que los materiales revelan sus mejores cualidades a través del proceso y el contraste. Al aportar la cálida expresividad del roble carbonizado al hogar, continúa contando la historia de su elaboración, invitando a una apreciación más cercana del material y la artesanía que lo moldeó.

«La artesanía tradicional y el diseño cuidado se unen en una pieza de almacenamiento escultural que celebra la riqueza táctil y las cualidades expresivas del roble carbonizado».

Algunos detalles existen solo para permanecer ocultos. Si bien son fundamentales para la creación de un objeto, las huellas de su construcción a menudo quedan ocultas bajo superficies pulidas o se refinan cuidadosamente hasta desaparecer. Casi nunca se tienen en cuenta como parte de la estética del diseño. La idea para las Mesas de centro Ferra surgió al pararse a observar esos pequeños detalles. Desde el principio, la intención era comprender qué podría suceder si un elemento funcional, como una soldadura, permaneciera visible, convirtiendo la construcción en sí misma en parte de la identidad del objeto. Así, en lugar de quedar oculta, la costura soldada se convirtió en el punto de partida: un gesto deliberado que transforma un detalle técnico pasado por alto en el rasgo de diseño que define el proyecto.

Este cambio de perspectiva también ofreció una forma diferente de experimentar el acero inoxidable, el material con el que se fabrican las mesas de centro Ferra. A menudo asociado con una precisión impecable y superficies sin interrupciones, donde se elimina cualquier rastro de fabricación en busca de un acabado perfectamente uniforme, el material se ve aquí sutilmente desafiado. Las superficies lisas de acero inoxidable cepillado crean una presencia tranquila y minimalista, mientras que los bordes soldados e intencionadamente expuestos, recorren toda la composición, introduciendo una cualidad táctil inesperada que habla de artesanía más que de perfección. La costura permanece inconfundiblemente presente sin llegar a ser meramente ornamental. Este detalle comunica el proceso que hay detrás del objeto, revelando que la construcción es algo digno de atención por derecho propio.

Cada mesa presenta una suave curva que aporta dinamismo a una forma que, de otro modo, sería sobria. La simplicidad geométrica general permite que los bordes expresivos sigan siendo el punto focal, mientras que los perfiles curvos introducen una sensación de fluidez que cambia a medida que el objeto se observa desde diferentes ángulos. Las dos Mesas de centro están concebidas como elementos separados pero complementarios y se pueden disponer de múltiples maneras. A medida que las curvas se encuentran o se separan, surgen nuevas composiciones. Los muebles se adaptan a diferentes interiores y necesidades cambiantes en lugar de prescribir una única disposición. Las mesas invitan además a una interacción intuitiva con el espacio pero mantienen la discreta presencia arquitectónica que define el diseño.

Al combinar superficies lisas con bordes rugosos, materialidad industrial con carácter artesanal y permanencia con flexibilidad, las Mesas de centro Ferra aportan una expresión más humana a la precisión del acero inoxidable. A medida que se mueven, se reorganizan y se utilizan con el paso del tiempo, su composición continúa evolucionando, convirtiéndose en parte del paisaje cambiante del hogar.

«Al equilibrar la geometría sobria con los bordes soldados a la vista, las Mesas de centro Ferra revelan las huellas de la fabricación como un detalle clave de diseño».

Presentamos una nueva expresión de nuestro concepto de personalización a medida: la tapicería Poppy Velvet transforma siluetas familiares a través de la textura y el estampado. Definido por una textura densa y de gran riqueza táctil, con un patrón sutilmente disperso que confiere a la superficie un ritmo dinámico, el tejido combina suavidad con profundidad visual. Al reflejarse la luz, surgen sutiles variaciones en la superficie, que atraen tanto la mano como la vista. Introduce una capa más suave y expresiva que coexiste en equilibrio con los materiales más sobrios de la colección, enriqueciendo los interiores a través del contraste y la textura. Disponible para las series Dase y Rico.

La Lámpara de mesa Ripple es una gran lámpara de impacto visual, elaborada en vidrio soplado a mano y que presenta la característica superficie ondulada que define una de las series clásicas de Ferm Living. Su silueta escultural y su tamaño considerable la convierten en un punto focal que llama la atención, mientras que el acabado opalino difunde la luz para crear un brillo suave y atmosférico. La interacción entre el vidrio texturizado y la luz cálida añade profundidad y carácter a su entorno, haciendo que la lámpara sea tan expresiva cuando está apagada como cuando está encendida.

La serie Cabri, que aúna la forma escultórica, la materialidad expresiva y el ritual cotidiano, se inspira en el lenguaje arquitectónico, donde el interés visual y la función cotidiana se equilibran mediante una composición de sólidos y vacíos. Fabricadas con MDF certificado FSC® y una distintiva chapa de madera también certificada FSC®, cada pieza cobra vida gracias a los patrones de vetas onduladas que fluyen sin interrupciones por sus superficies, lo que confiere a cada pieza una expresividad única. El Mueble multimedia Cabri está diseñado en torno al ritual de escuchar música, con un espacio dedicado para el tocadiscos de vinilo. El Almacenamiento Cabri amplía la serie con un almacenamiento versátil para vinilos, libros y objetos decorativos, lo que permite que las colecciones personales se conviertan en parte de la arquitectura del hogar.

Partiendo del lenguaje escultórico de la familia de lámparas Arum, la Lámpara de pie arqueada Arum extiende su distintiva silueta a una escala mayor. Un arco esbelto y elegante se eleva desde una sólida base de piedra, creando una composición grácil donde la ligereza visual se ve anclada por el peso del material. Suspendida bajo el tallo curvado se encuentra la característica pantalla asimétrica en forma de hoja. Desde la serena calidez del travertino hasta el llamativo contraste del mármol blanco, la base de piedra entabla un diálogo con la superficie metálica, creando armonía entre la solidez y la ligereza.

La Manta Blur Mohair explora la suavidad a través del material y el color. Confeccionada con una mezcla de mohair y lana, su llamativo estampado a cuadros se transforma gracias a un acabado cepillado que difumina suavemente los límites entre los tonos, creando un sutil efecto difuminado. Los largos flecos completan la pieza, añadiendo movimiento y profundidad táctil a su generosa superficie. La Manta Blur Mohair constituye un contrapunto táctil a las superficies lisas y frías con su textura rica aportando suavidad y contribuyendo con capas táctiles que dan profundidad y calidez a un espacio. Con el cambio de estación, invita a momentos de pausa y confort.

Concebido en torno a la idea de que un material conserva la memoria de otro, el Jarrón Mokuri celebra la belleza de la transformación y de las huellas que quedan tras de sí. Cada jarrón, elaborado con vidrio reciclado 100 % certificado GRS soplado a mano mediante una técnica tradicional de fabricación de vidrio, conserva la textura natural del molde de madera en el que se forma, la inconfundible huella de la veta de la madera impresa en su superficie.


La relación entre ambos materiales está implícita en el propio nombre del jarrón. Derivado de la palabra japonesa «Moku», que significa madera o árbol, el nombre Mokuri refleja tanto el material que da forma al objeto como el proceso mediante el cual este cobra vida.

Sin embargo, lo que comenzó como una exploración técnica pronto se convirtió también en una reflexión sobre la permanencia y la impermanencia. Si bien el molde se va quemando gradualmente con el uso repetido, su textura permanece viva dentro del vidrio. Cada molde solo puede dar forma a un número limitado de jarrones antes de tener que ser reemplazado, y con cada uso, la textura de su grano se vuelve progresivamente más suave. Así, las piezas más antiguas conservan una impronta más rica y pronunciada, mientras que las posteriores revelan una superficie más suave. Nunca hay dos impresiones exactamente iguales. De este modo, cada jarrón, con su vidrio sólido y duradero, captura un instante dentro de un proceso evolutivo, transformando una superficie efímera en algo perdurable.

Las delicadas facetas definen la forma escultórica del Jarrón Mokuri, captando y refractando la luz al tiempo que realzan la textura que deja la veta de la madera. Ya sea sosteniendo ramas de temporada o erigiéndose como un objeto escultórico, la geometría sobria permite que el acabado táctil siga siendo el principal medio de expresión, y cada una de las tres combinaciones de colores revela la superficie de una manera diferente: desde la transparencia del vidrio hasta la presencia audaz y escultórica del negro y la expresión luminosa de la versión opalina, que recuerda al vidrio antiguo.

Al combinar la artesanía tradicional con la forma contemporánea, el Jarrón Mokuri invita a una apreciación más serena tanto del material como de la elaboración, así como de la memoria que se conserva en cada pieza.

«El Jarrón Mokuri explora el diálogo entre la madera y el vidrio, revelando cómo un material puede perdurar a través de otro y cómo los objetos portan la historia de su propia creación».