La collection Autumn Winter 2026 explore les transformations et l’harmonie née de la rencontre entre des qualités opposées. La lumière se révèle dans l’obscurité, le raffinement embrasse l’irrégularité, la douceur côtoie la structure, et les contrastes s’adoucissent pour créer des espaces chaleureux et accueillants. À mesure que les matériaux prennent de nouvelles expressions grâce aux procédés et au savoir-faire artisanal, la collection apporte de la profondeur, un caractère sculptural et une sensation tactile réconfortante à votre intérieur, enrichissant ainsi les moments quotidiens de convivialité, de repos et de rituels.

Comment l’artisanat peut-il permettre à un matériau de révéler de nouvelles formes d’expression ? La recherche d’une réponse à cette question a conduit à la technique traditionnelle japonaise du Shou Sugi Ban, une méthode séculaire de préservation du bois par carbonisation contrôlée. À mesure que le feu transforme la surface, la couche externe se trouve profondément texturée et carbonisée, ce qui renforce la durabilité du bois tout en révélant une finition riche et noircie. Caractérisée par des fissures, des nœuds et un grain distinctifs, cette technique est devenue le point de départ de la conception du Meuble haut Koh. En laissant apparaître les traces de sa fabrication longtemps après la disparition des flammes, ce meuble explore ce qui se passe lorsque le processus devient indissociable du matériau, et comment la transformation elle-même peut façonner l’identité d’un objet.

Le Meuble haut Koh est ainsi devenu le point de rencontre entre l’étude des matériaux et la vie quotidienne, un meuble intime façonné par les rituels discrets qui entourent la conservation des objets du quotidien. La conception des portes a constitué un exercice visant à comprendre le comportement du bois face au feu, depuis l’identification des essences susceptibles d’offrir la plus grande profondeur et la plus grande richesse de texture – le chêne massif certifié FSC® s’imposant comme le choix naturel – jusqu’à la recherche du degré de brûlure idéal grâce à un calibrage minutieux. Ce processus s’est avéré être autant un exercice d’observation que de raffinement, consistant à trouver la précision au sein de l’imprévisibilité. Plutôt que de rechercher une uniformité totale, l’objectif était de préserver les subtiles irrégularités laissées par le feu tout en garantissant un certain niveau de cohérence. Les surfaces ainsi obtenues présentent de légères variations de texture et de teinte, rendant chaque meuble subtilement distinct tout en restant fidèle au même langage des matériaux. La finition choisie protège le chêne carbonisé sans masquer les qualités qui le rendaient si fascinant au départ.

Les portes à la texture très marquée offrent un contraste délibéré avec la géométrie raffinée du meuble. Conçus avec précision, leurs panneaux légèrement décalés, présentant de subtiles variations d’épaisseur, introduisent une asymétrie mesurée qui vient doucement rompre la forme autrement monolithique. Derrière cette façade sculpturale, des étagères réglables offrent un rangement modulable, apportant une fonctionnalité pratique à un meuble conçu pour s’adapter aux rythmes changeants de la maison.

Le Meuble haut Koh reflète une conviction, récurrente dans toute la collection, selon laquelle les matériaux révèlent leurs qualités les plus riches à travers le processus de fabrication et le contraste. En apportant la chaleur expressive du chêne carbonisé dans votre intérieur, il continue de raconter l’histoire de sa fabrication, vous invitant à apprécier de plus près le matériau et le savoir-faire qui l’ont façonné.

« L’artisanat traditionnel et un design réfléchi s’unissent pour donner naissance à un meuble de rangement sculptural qui met en valeur la richesse tactile et les qualités expressives du chêne carbonisé. »

Certains détails n’existent que pour rester invisibles. Bien qu’essentiels à la fabrication d’un objet, les traces de fabrication sont souvent dissimulées sous des surfaces polies ou soigneusement affinées jusqu’à disparaître. Elles sont rarement considérées comme faisant partie de l’expression d’un design. L’idée des Tables basses Ferra est née d’un examen attentif de l’un de ces détails. Dès le départ, l’intention était de comprendre ce qui se passerait si un élément fonctionnel, tel qu’un cordon de soudure, restait visible, faisant ainsi de la construction elle-même une partie intégrante de l’identité de l’objet. Ainsi, au lieu d’être dissimulé, le cordon de soudure est devenu le point de départ : un geste délibéré qui transforme un détail technique souvent négligé en élément caractéristique du design.

Ce changement de perspective a également permis d’aborder différemment l’acier inoxydable, matériau à partir duquel les Tables basses Ferra sont fabriquées. Souvent associé à une précision irréprochable et à des surfaces sans rupture, où toute trace de fabrication est éliminée au profit d’une finition parfaitement uniforme, ce matériau est ici discrètement remis en question. Les plans lisses en acier inoxydable brossé créent une présence sereine et minimaliste, tandis que les bords soudés rugueux, intentionnellement exposés, parcourent l’ensemble de la composition, introduisant une qualité tactile inattendue qui évoque davantage le savoir-faire artisanal que la perfection. La soudure reste indéniablement présente sans jamais devenir un simple élément ornemental. Ce faisant, elle communique le processus qui se cache derrière l’objet, révélant la construction comme un élément digne d’attention en soi.

Sous chaque table se cache une courbe douce qui apporte du mouvement à une forme par ailleurs sobre. La simplicité géométrique d’ensemble permet aux arêtes expressives de rester au centre de l’attention, tandis que les profils courbes introduisent une impression de fluidité qui évolue selon l’angle sous lequel on observe l’objet. Conçues comme des éléments distincts, mais complémentaires, les deux tables basses peuvent être agencées selon de multiples configurations. À mesure que les courbes se rejoignent ou s’écartent, de nouvelles compositions émergent ; ainsi, le mobilier s’adapte à différents intérieurs et à des besoins changeants plutôt que d’imposer un agencement unique. À leur tour, ces tables invitent à une interaction intuitive avec l’espace tout en conservant cette présence architecturale discrète qui définit leur design.

Alliant des surfaces lisses à des arêtes brutes, des matériaux industriels à un caractère artisanal, ainsi que la pérennité à la flexibilité, les Tables basses Ferra confèrent une expression plus humaine à la précision de l’acier inoxydable. Au fil du temps, à mesure qu’on les déplace, qu’on les réorganise et qu’on vit avec elles, leur composition ne cesse d’évoluer, s’intégrant ainsi au paysage changeant de la maison.

« Alliant une géométrie sobre à des bords soudés apparents, les Tables basses Ferra révèlent les traces de fabrication comme un geste de design caractéristique. »

Apportant une nouvelle dimension à notre concept de personnalisation « Made to Order », le revêtement en velours Poppy transforme des silhouettes familières grâce à sa texture et à son motif. Caractérisé par un poil dense et richement tactile, orné d’un motif délicatement dispersé qui confère à la surface un rythme dynamique, ce tissu allie douceur et profondeur visuelle. Au gré des reflets de lumière, de subtiles variations apparaissent à la surface, attirant autant la main que le regard. Disponible pour les séries Dase et Rico, il apporte une touche plus douce et plus expressive qui s’équilibre avec les matériaux plus sobres de la collection, enrichissant les intérieurs par le contraste et le toucher.

La Lampe de table Ripple est une grande lampe emblématique fabriquée en verre soufflé à la bouche, dotée de la surface ondulée caractéristique qui définit l’une des séries classiques de Ferm Living. Sa silhouette sculpturale et ses dimensions imposantes en font un élément central qui attire le regard, tandis que la finition opale diffuse la lumière pour créer une lueur douce et atmosphérique. Le jeu entre le verre texturé et la lumière chaude ajoute de la profondeur et du caractère à son environnement, rendant la lampe aussi expressive lorsqu’elle est éteinte que lorsqu’elle est allumée.

Alliant forme sculpturale, matérialité expressive et rituel quotidien, la série Cabri s’inspire du langage architectural, où l’intérêt visuel et la fonctionnalité au quotidien trouvent leur équilibre grâce à une composition de pleins et de vides. Fabriquée en MDF certifié FSC® et recouverte d’un placage en bois distinctif également certifié FSC®, chaque pièce est animée par des motifs de grain tourbillonnants qui s’étendent de manière homogène sur ses surfaces, conférant à chacune un caractère unique. Alors que le Meuble multimédia Cabri est conçu autour du rituel de l’écoute, avec un espace dédié à une platine vinyle, le Meuble de rangement Cabri élargit la série en offrant un espace de rangement polyvalent pour les vinyles, les livres et les objets décoratifs, permettant ainsi aux collections personnelles de s’intégrer à l’architecture de la maison.

S’inspirant du langage sculptural de la famille de lampes Arum, le Lampadaire arqué Arum transpose sa silhouette caractéristique à une plus grande échelle. Une arche élancée et gracieuse s’élève depuis un socle en pierre massif, créant une composition élégante où la légèreté visuelle est ancrée par le poids de la matière. Suspendu sous la tige incurvée se trouve l’abat-jour asymétrique en forme de feuille, caractéristique de la gamme. De la chaleur discrète du travertin au contraste saisissant du marbre blanc, le socle en pierre entre en dialogue avec la surface métallique, créant une harmonie entre solidité et légèreté.

La Couverture en mohair Blur explore la douceur tant à travers la matière que la couleur. Tissée à partir d’un mélange de mohair et de laine, son motif à carreaux audacieux est transformé par une finition brossée qui estompe délicatement les frontières entre les teintes, créant un subtil effet flou. De longues franges viennent parachever la pièce, ajoutant du mouvement et de la profondeur tactile à sa surface généreuse. Riche en textures, la Couverture en mohair Blur forme un contrepoint tactile aux surfaces lisses et froides que l’on retrouve dans toute la collection, apportant de la douceur tout en ajoutant des couches tactiles qui confèrent profondeur et chaleur à un espace. À mesure que la saison change, elle invite à des moments de pause et de confort.

Conçu autour de l’idée qu’un matériau préserve la mémoire d’un autre, le Vase Mokuri célèbre la beauté de la transformation et des traces qui subsistent. Fabriqué à partir de verre 100 % certifié GRS, soufflé à la bouche selon une technique traditionnelle de verrerie, chaque vase porte la texture naturelle du moule en bois dans lequel il a pris forme, l’empreinte caractéristique du grain du bois marquée sur sa surface.

La relation entre les deux matériaux est inscrite dans le nom même du vase. Dérivé du mot japonais « Moku », qui signifie bois ou arbre, le nom « Mokuri » fait référence à la fois au matériau qui donne forme à l’objet et au processus par lequel celui-ci voit le jour.

Cependant, ce qui a commencé comme une exploration technique s’est rapidement transformé en une réflexion sur la permanence et l’impermanence. Alors que le moule s’use progressivement au fil des utilisations, sa texture continue de perdurer au sein du verre. Chaque moule ne permet de façonner qu’un nombre limité de vases avant d’être remplacé, et à chaque utilisation, la texture de son grain s’adoucit progressivement. Ainsi, les premières pièces conservent une empreinte plus riche et plus prononcée, tandis que les dernières révèlent une surface plus douce. Il n’existe jamais deux empreintes exactement identiques. Ainsi, chaque vase, dont le verre est solide et durable, capture un instant au sein d’un processus en constante évolution, transformant une surface éphémère en quelque chose de durable.

De légères facettes définissent la forme sculpturale du Vase Mokuri, captant et réfractant la lumière tout en mettant en valeur la texture laissée par le grain du bois. Qu’il soit utilisé pour accueillir des branches de saison ou qu’il soit exposé comme un objet sculptural, sa géométrie sobre permet à la finition tactile de rester le principal moyen d’expression, chacune des trois déclinaisons de couleur révélant la surface d’une manière différente : de la transparence du verre clair à la présence sculpturale audacieuse du noir, en passant par l’expression lumineuse de la version opaline, qui rappelle le verre antique.

Alliant savoir-faire artisanal traditionnel et forme contemporaine, le Vase Mokuri invite en fin de compte à une appréciation plus sereine tant du matériau que de la fabrication, ainsi que de la mémoire préservée au sein de chaque pièce.

« Le Vase Mokuri explore le dialogue entre le bois et le verre, révélant comment un matériau peut perdurer à travers un autre et comment les objets portent en eux l’histoire de leur propre fabrication. »